Dmitri Shostakovich, un compositor prolífico e incansable, dejó un extenso cuerpo de trabajo que abarca 150 volúmenes en una nueva edición crítica. A pesar de su vasta producción, el aficionado promedio a la música está familiarizado solo con una pequeña fracción de sus creaciones. Entre sus obras maestras menos conocidas se encuentran las bandas sonoras de Hamlet y Rey Lear, dirigidas por Grigori Kozintsev, quien colaboró con Shostakovich desde los veinte años. Estas partituras forman parte del período tardío del compositor, durante el cual también compuso música para otros 34 filmes.

La música de cámara de Shostakovich es más accesible y será presentada casi en su totalidad al final del gran festival organizado por el Gewandhaus. Sus obras sinfónicas y concertantes también se presentan, junto con una selección representativa de sus canciones a menudo pasadas por alto. Estas canciones, compuestas sobre poesía rusa o traducida al ruso, incluyen colecciones de alta calidad como el Soneto No. 66 de Shakespeare, traducido por Boris Pasternak. La tercera estrofa de este soneto refleja inquietantemente la realidad de la Unión Soviética estalinista: "y el arte encarcelado bajo autoridad, / y la necedad llamada sabiduría, / y la verdad llamada necedad, / y el bien llevado por un capitán." La música de Shostakovich da vida a estos versos con una claridad campanil.

Sus sinfónicas y cuartetos de cuerda, las más reconocidas y difundidas de sus obras, existen en paralelo sin intersectarse. Sus períodos de creación difieren ligeramente: 1925-1971 para las sinfonías y 1938-1974 para los cuartetos, con pequeños pero significativos solapamientos en ambos extremos. En la música de cámara, ninguna tonalidad se repite, a diferencia de sus sinfonías, donde algunas comparten tónicas idénticas. Si Shostakovich planeaba componer más sinfonías después de la 15ª, sigue siendo desconocido; sin embargo, es seguro que, de no haber sucumbido al cáncer de pulmón en 1975, habría continuado componiendo cuartetos de cuerda, alcanzando tal vez los veinticuatro, completando así un círculo perfecto en todas las tonalidades mayores y menores, al igual que su inspiración, Johann Sebastian Bach, en El clave bien temperado.

Las gruesas gafas de Shostakovich simbolizaban una separación del mundo, sugiriendo que sus cuartetos surgían desde dentro, destinados solo para él y su conciencia. Por el contrario, varias sinfonías fueron productos de su rol como artista oficial, documentando logros y eventos revolucionarios que estaban muy alejados de su existencia personal. Solo cuando renunció a esto -como en la Sinfonía No. 14, una dura meditación sobre la muerte a interpretarse en el concierto de clausura de Leipzig- transformó la orquesta en un gigantesco cuarteto. De manera similar, mantuvo su integridad incluso en circunstancias extramusicales. En el Cuarteto No. 8, dedicado "a las víctimas del fascismo y la guerra", el motivo D-S-C-H (D-Mi bemol-C-B), que representa su nombre en notación musical alemana, se repite, evocando el uso de Bach de su propio nombre en composiciones. Esta sinceridad, esencial para el arte, impregnaba su música.

En algunas sinfonías, Shostakovich tuvo que enmascarar su verdadera voz, pero en sus cuartetos, permaneció auténtico, inspirándose en los cuartetos de Beethoven, su modelo inequívoco. Como la despedida de Beethoven a través de la Cavatina del Cuarteto Op. 130, Shostakovich confió sus despedidas al cuarteto de cuerdas. Aquí, más que en cualquier otra parte de su catálogo, emergió como un heredero espiritual de Beethoven, cuyo retrato adornaba su estudio en Moscú.

El Gewandhaus confió sabiamente el ciclo completo al Cuarteto Danel franco-belga, conocido por su misión casi apostólica de difundir la música de Shostakovich, siguiendo los pasos de los cuartetos Beethoven, Borodin y Fitzwilliam. Sus actuaciones en Leipzig han tenido un impacto catártico, con silencios prolongados seguidos por un entusiasmo creciente. Sus interpretaciones, incluyendo el conocido Cuarteto No. 8 y el esquivo Cuarteto No. 14, resuenan profundamente con los oyentes atentos.

El Cuarteto Danel ha interpretado la colección completa en todo el mundo, a menudo junto con obras de Mieczysław Weinberg, amigo de Shostakovich. Sus interpretaciones son aparentemente clínicas, carentes de excesos dinámicos innecesarios, con las expresivas contorsiones de Marc Danel como la única excentricidad. Estos movimientos, sin embargo, facilitan un repertorio técnico y tímbrico inagotable. Un pasaje del movimiento final del Cuarteto No. 14, con rápidas secuencias de dos, tres o cuatro notas a través de los instrumentos, ejemplifica la homogeneidad de sonido, golpes de arco y dinámicas que logran. Su extraordinaria visión del cuadro completo se beneficia de su amplia experiencia presentando la colección completa. Shostakovich a menudo escribió indicaciones attacca entre movimientos, sugiriendo que cada uno de los 15 cuartetos es indivisible, una unidad que el Cuarteto Danel imparte de manera única.

Las sesiones de canciones el lunes y martes por la tarde fueron igualmente esclarecedoras. Aunque no completas, incluyeron las seis colecciones programadas: ambiciosa De la poesía popular judía; emocionalmente cargada Seis poemas de Marina Tsvetaeva; perfecta y original Siete romances sobre poemas de Aleksandr Blok; y terminal Suite sobre versos de Miguel Ángel Buonarroti. Estas destacaron el mordaz ingenio de Shostakovich en Sátira Op. 109 y la joya juvenil Romances sobre textos de poetas japoneses Op. 21. Un cierre adecuado para un festival tan ambicioso habría sido la breve joya Prólogo a la colección completa de mis obras, donde Shostakovich se burla de sus premios oficiales: “Y aquí está la firma: Dmitri Shostakovich.”

Durante una de sus depresiones tardías, Shostakovich, siguiendo el ejemplo de Britten, puso música a varios poemas de Miguel Ángel. A diferencia de Britten, quien lo hizo durante los primeros días de su relación con el tenor Peter Pears, Shostakovich se sintió atraído por el lado trágico y pesimista de los poemas. La voz del gran bajo Yevgeny Nesterenko, quien estrenó la obra, estaba en su mente durante la composición. Los títulos “Muerte” e “Inmortalidad” de las dos últimas canciones sugieren un vínculo personal con Miguel Ángel: los genios mueren, pero sus obras perduran, alcanzando la inmortalidad. No es sorprendente que Shostakovich incluyera romances de Mijaíl Glinka y Canciones y danzas de la muerte de Modest Mussorgsky en el estreno.

En Leipzig, los cantantes fueron elegidos con gran cuidado: la soprano Elena Stijina, la mezzosoprano Marina Prudenskaya, el tenor Bogdan Volkov y, reemplazando al anunciado Günther Groissböck, el bajo Alexander Roslavets. La pianista Elena Bashkirova, aunque más hábil como músico de cámara que como acompañante vocal, proporcionó el acompañamiento. El destacado fue el ucraniano Volkov, memorable como Ferrando en Così fan tutte en Salzburgo durante la pandemia y como el Príncipe Guidón en El cuento del zar Saltán en el Teatro Real. Está destinado a convertirse en un destacado tenor en repertorios adecuados a su voz. Prudenskaya impresionó con su auténtica voz oscura y profunda expresividad. Stijina, con su prodigiosa voz, destacó en Romances sobre poemas de Blok, una obra que Shostakovich no pudo estrenar debido a un ataque al corazón, reemplazado por Weinberg junto a David Oistrakh, Mstislav Rostropovich y Galina Vishnevskaya. Las evocadoras piezas de San Petersburgo y la canción final, la única que presenta a los cuatro intérpretes, resonaron profundamente con la audiencia. Sin embargo, la Suite sobre versos de Miguel Ángel careció de intensidad comparable, con Roslavets ofreciendo más una lectura a primera vista que una actuación matizada.

En la sección orquestal, el miércoles por la tarde se presentó el Concierto para violín No. 2, una pieza altamente lírica efectivamente interpretada por Baiba Skride, y la Sinfonía No. 13, basada en poemas de Yevgeny Yevtushenko. Una de las obras más originales de Shostakovich, eco de Das Lied von der Erde, incluye un final trascendente con celesta, concluyendo una composición sombría y dolorosa. Aquí, Günter Groissböck cantó, aunque no en su mejor forma vocal, apoyado por los bajos de tres coros de Leipzig para infundir matices oscuros en una partitura donde los violonchelos y contrabajos tienen más protagonismo que los violines, y la tuba juega un papel solista significativo. Andris Nelsons dirigió con total compromiso con los temas de la obra (injusticia, muerte, olvido), llevando a la Orquesta Gewandhaus, con la valenciana Inmaculada Veses como solista de oboe, a responder a sus gestos cada vez más económicos pero efectivos y musicales. Consciente de la obra maestra de Shostakovich, Nelsons fomentó un silencio prolongado al final, esencial para absorber tal embate intenso y emocionalmente prolongado.